Cobertura Lo Mejor de Godard! N°20: Día 4

Reseña: Jaume Balagueró

Jaume Balagueró ha encontrado una formula altamente efectiva para convertir tramas ya sobreexplotadas en historias precisas para su técnica visual y narrativa. El director español ha optado por una forma diferente y peculiar de mostrar el suspenso en los zombis, las sectas, y las casas malditas, pero manteniendo el estilo de grandes del cine de terror, como George Romero y John Carpenter.

Cuando uno analiza la efectividad de las pesadillas, las mide con su propia balanza y es allí cuando podemos entender ese talento empático que posee Balagueró para hacer suyos nuestros temores y plasmarlos en el celuloide. El denominado “Efecto Balagueró” es el resultado de su técnica, basada en la ”explicación transmutada en acción”, una firma personalizada consistente en crear una atmósfera asfixiante, evitando pecar de sobreexposición o caer en los clichés del género. Jugar con la iluminación, la fotografía, los colores o la ausencia de los mismos, puede terminar brindándole al entorno un papel protagónico, al punto de convertirse en un factor detonante de miedo.

Las obras del español no abusan de lo explícito, rebosan de ausentes, donde el terror nace de lo tácito, de la incertidumbre del nuestro entorno. Desde sus cortometrajes iniciales hasta más reciente producción, [REC], Balagueró ha optado por infundir temores con lo inesperado, demostrando que el terror no radica en explícitas escenas de sangre o destrucción, sino en la ansiedad de desconocer lo que se encuentra a solo unos pasos de distancia. (José Miguel Paiva)

SÁBADO 11

6pm Los Sin Nombre
Dir. Jaume Balagueró. España (1999) 102’. Reparto: Emma Vilarasau, Karra Elejalde y Tristán Ulloa.
Sinopsis: Cinco años después del asesinato de una niña, cuando ya su madre parecía haber empezado a estabilizarse de nuevo, una llamada telefónica vuelve a sacudir su existencia: "Mamá, soy yo... Ven a buscarme".

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Crítica: El Gabinete del Doctor Caligari

Una dosis única de horror fantasioso y demencia en una obra maestra del expresionismo alemán. El gabinete del Doctor Caligari, dirigida por Robert Wiene, no es una película clásica del expresionismo sólo por la indumentaria de los personajes y el papel de estos en el filme, sino también por el genial uso de claroscuros y, sobretodo, la escenografia. Este último factor combina objetos retorcidos y un tanto distorsionados, con un background de dos dimensiones compuesto por lienzos y que incluso contiene rasgos cubistas.

Por otra parte, en la película puede notarse un poco de exageración en la interpretación de los personajes. Sin embargo, sin esta sobreactuación, la vestimenta, la escenografía, y la película en sí, no transmitirían el mundo que habita en la cabeza de Alan, el demente que narra la historia. Es así como la película destaca en los aspectos ya mencionados, formando en conjunto una obra sombría y fantástica que transmite un mundo tan retorcido y deformado como la auténtica mente de su protagonista.

Víctor Mejía y Claudio Cordero

En godard! 20, el arquitecto Víctor Mejía le dedica un artículo a la película, destacándola por su influencia desde el plano de la arquitectura. Víctor estuvo presente antes y después de la proyección y explicó el universo de creación de Wiene. “En esta película la arquitectura toma, no sé si un papel protagónico, pero sí el de una herramienta expresiva importante. (…) Esta sensación de opresión, de ángulos agresivos, de edificios que terminan en punta o en ángulos muy cerrados, es la del demente que está contando la película”.


Destacó también las posibilidades artísticas de la cinta y –más allá de la intención de Wiene de reflejar la mente dislocada del personaje- la variedad connotaciones que se pueden sacar de ella. “(El Gabinete del Doctor Caligari) nos abre una abanico de posibilidades a los espectadores para interpretarlo de acuerdo a cómo nuestro imaginario personal nos lo permite”. (José Miguel Paiva / Isaac Vásquez)

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Crítica: Los Sin Nombre

Ópera prima del director español Jaume Balagueró y basada en la novela de Ramsey Campbell, Los Sin Nombre consiste en el salto del español del formato corto al largometraje, y en ella podemos apreciar como Balagueró comienza a forjar el estilo que lo caracterizará a lo largo de su filmografía: el uso de lo tácito.

Una trama dedicada al estudio de sectas secretas, pero cuyo origen y desarrollo viene envuelto de misterio, un trasfondo que se revela poco a poco. Lo que aquí crea ansiedad no es la historias de secuestros, asesinatos e ideas trastornadas, sino la incertidumbre. Dos personajes relacionados por la tragedia: la madre que, impulsada por una serie de llamadas, empieza a dudar de la muerte de su hija; un policía que intentara develar la verdad, tal vez como una forma de amilanar el dolor causado por la muerte de su esposa; un reportero que ve en este misterio una forma de redención periodística. Balagueró presenta una serie de personajes que, al igual que el espectador, se mantienen en constante espera de pistas o de algún golpe falta que den por acabada la historia o su papel en ella.

Ambiente asfixiantes, un juego de luces y sombras preciso junto a una banda sonora más que adecuada para las escenas, el mérito de los sin nombre radica en su fórmula en conjunto. Si bien algunos personajes, vienen y van sin dejar mucha huella, creando cierto vacío en la continuidad, Balagueró deja que nuestra propia locura supla esas falencias.

Los Sin Nombre explora el tema del mal encarnado y certifica que, para denotar este sentimiento, no es necesario mostrar asesinatos en masa ni escenas de mutilación y sangre (aunque el gore se ve presente en dos escenas impactantes), sino en la conciencia y en el sadismo, concepto que se ve reflejado en la última escena, donde una pistola da inicio a todo un infierno emocional. (José Miguel Paiva)

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Crónica

Llegué con 15 minutos de adelanto y encontré una larga cola de personas que esperaba en las afueras del Centro Cultural de España. La cita era para ver el film alemán El Gabinete del Doctor Caligari, ícono visual del expresionismo germano. Antes de la proyección el director de godard!, Claudio Cordero, junto a Víctor Mejía, colaborador de la revista con un extenso ensayo sobre la película mencionada, realizaron una pequeña presentación, que disipó las dudas de mucho de los asistentes.

Si bien, momentos antes de iniciarse la película, el ambiente del lugar era inundado por risas y bromas del público distendido, la sensación colectiva se traslado a un silencio sepulcral, cuando se inició la proyección. La musicalización generó mas de una respiración agitada y alguna expresión un tanto soez de sorpresa, pero que daba a entender que había cumplido con su función, el romper el halo de silencio y convertirlo en una sensación de miedo.

Para la segunda película, la audiencia parecía haberse triplicado, la cola se extendía por casi dos cuadras. ¿La motivación? Los Sin Nombre de Jaume Balagueró. El terror volvió a invadir la sala, esta vez con una temática mucho menos fantástica, pero más cruda; el misterio gótico fue reemplazado por el suspenso homicida. Esta película generó reacciones divididas. Si bien algunos celebraron el estilo del español, otros criticaron su trama mientras enumeraban sus falencias narrativas, pero todos concordaron en algo: el estilo visual de Balagueró sí que surtió efecto.

Para terminar el día, la tercera función reunió a una serie de fanáticos de la música, para apreciar Neil Young: Heart of Gold. Muchos de los espectadores no dudaron en vitorear y cantar a ritmo de las canciones de este icono de la música, siendo la interpretación del tema “Heart of Gold” la que se llevó el mayor número de aplausos. Fue una velada personal con un Young que nos hizo sentir testigos de su vida, finalizando con un testimonio personal, tocando solo en un auditorio vacío, mientras los espectadores se convertían en cómplices del cantautor y mantenían el silencio, como si después de tanta euforia, en realidad no estuviesen allí. (José Miguel Paiva)

Este sábado en Lo Mejor de Godard! N° 20

Si usted no ha ido aún al ciclo Lo Mejor de Godard! N° 20, que se lleva a cabo estos días en el Centro Cultural de España, aún tiene tiempo de hacerlo. Y qué mejor oportunidad que este sábado 11 de julio, cuando contemos con la presencia especial del reconocido arquitecto Víctor Mejía.

A las cuatro de la tarde proyectaremos la cinta El Gabinete del Doctor Caligari, todo un clásico del cine expresionista alemán. En el último número de la revista, Víctor Mejía dedica un impecable ensayo a la confluencia de dos artes como son el cine y la arquitectura, basándose en la vanguardista propuesta de Robert Wiene, director de El Gabinete…, quien con los escenarios y estructura vistos en el filme supo proyectar la mentalidad atribulada de los personajes trasladándolos hasta la mirada y la mente del espectador.

Víctor estará a cargo de la presentación de la cinta, compartirá sus conocimientos acerca de la misma y responderá cualquier inquietud del público.

A la par, el Centro Cultural de España presenta la muestra fotográfica “Rehacer el amor”, de Roberto Huarcaya, Renzo Giraldo, y Gihan Tubbeh, y que cuenta con Víctor como curador. Dos grandes razones para no dejar de asistir. Están todos invitados.

Cobertura Lo Mejor de Godard! N°20: Día 3

Crítica: Profesión Ladrón

Sin lugar a dudas, Profesión Ladrón, de Michael Mann, ha sido hasta ahora una de las películas mejor recibidas por el público. Y es que cuenta con estupendas escenas, una excelente dirección, un guión coherente y bien estructurado, y no podría haber mejor actor para el papel de Frank que James Caan, también coproductor del filme. Este ladrón tiene aparentemente todo: lleva unos años fuera de la cárcel y goza de su libertad, tiene carisma, profesionalismo y dinero. Para la mitad del filme ya posee una pareja, un hijo y un socio con un buen plan para asestar el golpe final a una bóveda de diamantes que le permita retirarse definitivamente de sus andadas nocturnas.

Si hay algo con lo que Mann sorprende por completo, respecto al personaje de Frank, es en dos puntos: el primero fue la manera en que el personaje de Frank evoluciona, para luego resignarse al típico procedimiento criminal e involucionar, abandonándolo todo y abrazando la venganza. Por otro lado, el tratado entre Frank y Leo, su nuevo socio y jefe de la mafia, es un retrato casi auténtico de la realidad; en el mundo de las mafias se puede entrar, pero no salir.

El segundo punto con el que Mann sorprende es uno de los más artísticos y determinantes en la película, y se da solo en los últimos instantes del filme. El agotamiento de un Frank herido es quizá sólo una metáfora utilizada para mostrarnos la verdadera herida. la de haberlo perdido todo; el pasado, el presente y el futuro. Y es que, tanto en Profesión Ladrón como en la vida real, es claro que, sin importar cuanta serenidad, frialdad, profesionalismo y seguridad se posea, no siempre todo sale como fue planeado. (Isaac Vásquez)

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Crónica

Pocos minutos antes de las cuatro de la tarde, el público apostado en la puerta del Centro Cultural de España empezó a ingresar a la función de Rey y Patria, de Joseph Losey. Una vez dentro de la sala, las personas se dispersaron ubicándose en sus asientos y un gran número de ellas pasó a conversar sobre las películas que verían los días siguientes. Una de las más pronunciadas por los espectadores fue El Asesinato de Trotsky. Otro hombre de unos 50 años mencionaba que vería Cazador de Hombres. No habiendo pasado más de cinco minutos, las luces se apagaron. La película debía comenzar.

Aunque la sala no estaba totalmente llena, los asistentes se mostraban a gusto, siguiendo acuciosamente cada segundo del filme. Algunos llegaron a dar ciertos alaridos de disgusto en algunas escenas, pero hubo a la vez momentos de risa y tristeza, dejando en claro que el público se mostró tocado en gran forma por la obra de Losey.

Ni bien finalizó la proyección, salí a ver los exteriores del Centro Cultural. Grande fue la sorpresa al ver una fila de personas que llegaba hasta la esquina de la calle. La expectativa por ver Profesión Ladrón era grande. Sólo diez minutos después que se desocupara la sala de Rey y Patria, los asistentes ya se encontraban casi ubicados en su totalidad en sus respectivos asientos. Miguel Asensio, un señor de aproximadamente 60 años comentó que era admirador de James Caan y que le gustaban las películas de Michael Mann, a pesar de haber visto solo dos.

Con el desarrollo de la cinta aumentaban las muestras de gusto y emoción de los asistentes. Las exclamaciones, carcajadas y lamentos solo demostraban que Profesión Ladrón había dejado maravillado al público, a tal punto que la sala estalló en aplausos cuando culminó la proyección. Las personas se retiraron poco a poco, algunas apuradas, otras preferían quedarse hasta que terminaran de pasar los créditos. Pero absolutamente todos los asistentes salieron con un rostro de satisfacción como muy pocas veces se llega a ver. (Isaac Vásquez)

Cobertura Lo Mejor de Godard! N°20: Día 2

Críticas: Losey por partida doble

El domingo 5, el ciclo Lo Mejor de Godard! 20 presentó El Sirviente y Don Giovanni, dos películas de Joseph Losey, a manera de repaso a su fascinante filmografía. Aquí dos críticas a sendas presentaciones.

I. El Sirviente

No hay razón para dudar de que El Sirviente fue la obra maestra de Losey, donde en el celuloide derrama la incomprensión y crítica visceral a aquellos aspectos de la sociedad que representan el espíritu mellado de quienes han perdido la libertad de ser ellos mismos, en un día a día de teatro decadente. El Sirviente representa la exploración de aquello que fascinaba a Losey y de lo cual siempre se consideró, si no un pesimista, un realista observador.

La larga estancia de Losey en Londres y su contacto con las esferas sociales más anquilosadas y espásmicas, resistentes a morir entre la hipócrita dignidad de la decadencia, es la pieza angular del filme. Donde encuentra a la perfección el ángulo crítico a aquella negra esencia que es parte del espíritu humano y que Losey no soslaya, sino que expone con gracia perturbadora y poco sutil, casi descarnada, pero rica en su verdad, cruda como una bofetada redentora.

Rescatable es el excelentísimo papel de Hugo Barret (Dick Bogarde), quien da vida al personaje que habrá de invertir los mundos, con ingenio maquiavélico y un plan indigno de contarse en el papel, reservado al celuloide con cariño, agrio cariño y cámara magistral. En la cinta, Losey es como el ojo implacable que se esconde en el espejo de la sociedad esperando, no justicia, sino la revelación de un espíritu humano real; y no idealizado en lo que debería ser, sino en lo que es, incluso en su malicia y traición. (Renzo Rodríguez)

II. Don Giovanni

No resulta extraño que Losey eligiera a Don Giovanni como su primera adaptación de ópera al cine. La obra de Mozart revela lo negro que puede ser el corazón de un hombre, quien lo es por naturaleza y no por libre elección, y que, sin embargo, es víctima de una condena tristemente justa. Precisamente la clase de personajes que a Losey fascinan por su dualidad de rol en el juego de la vida.

Don Giovanni de Losey no es una adaptación propiamente dicha de la ópera a la gran pantalla. Se trata más bien de la comunión de dos artes que funcionan armónicamente. El elenco compuesto íntegramente por cantantes de ópera reales, cuenta con las destacadas presencias del bajo-barítono Ruggero Raimondi, en el papel de Don Giovanni, y la famosa mezzosoprano Teresa Berganza, en el papel de Zerlina, muchacha del pueblo, quien será victima del noble canalla, debido a su calidad social e ingenua picardía.

La psicología de los personajes es otro aspecto bien destacado por Losey, puesto que todos cuentan con ricos aspectos emocionales llenos nuevamente de dualidad (característica que parece atrapar a Losey), además de muchos desvaríos que llegan a ser hasta hilarantes por momentos. Los temas de la contradicción moral, la venganza y el juicio divino están presentes en cada nota de la obra, que en la cámara refleja un matiz netamente expresivo, más que de argumento lineal.

La fórmula de Losey funciona a pesar de tratarse de una cinta desafiante por su larga duración. Aspecto que, sin embargo, es matizado con la altísima calidad musical que solo una obra mozartiana puede ofrecer. Los escenarios de barroca belleza y clase sin igual sirven también para estos fines. En suma, una buena adaptación de un gran director que, a pesar de su agrio sabor, nos deja siempre satisfechos. Muy recomendable para una tarde de domingo. (Renzo Rodríguez)

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Reseña: Michael Mann

Versátil director, guionista y productor cinematográfico, Michael Mann se enamoró del cine con la película de Stanley Kubrick, Dr. Strangelove. Es más conocido como director de películas que como productor de series, y considerado uno de los mejores cineastas de americanos. Cabe resaltar, que ha dirigido multitud de actores como James Caan, William Petersen, Al Pacino, Rober de Niro, Tom Cruise, Johnny Depp, entre otros.

Posee un estilo muy propio, el perfeccionamiento de sus rodajes se ve mezclado con su afinidad por el paisaje urbano y sus protagonistas solitarios, tenaces y con valores morales definidos que no son héroes ni villanos.

Desde su debut cinematográfico en 1981 con Profesión Ladrón y en calidad de productor ejecutivo, de la exitosa serie Miami Vice, el director de 66 años, con 41 de experiencia en historias criminales y género policial, se ha inspirado en la historia de John Dillinger, dirigiendo Enemigos Públicos, esperado estreno para este 2009. Se trata pues, de “un director que aspira a mucho más que un simple realizador de películas” (Martín Mauricio, godard! 20).

Las películas Cazador de Hombres, adaptación del libro de Thomas Harris, y Profesión Ladrón, basada en la novela homónima de Frank Hohimer, son algunas producciones que se podrán apreciar en las presentaciones de Lo Mejor de godard! N° 20 en el Centro Cultural de España. (Fresia Rodríguez)

LUNES 6

6:30pm Profesión Ladron
(Thief) Dir. Michael Mann. Estados Unidos (1981) 122’. Reparto: James Caan, Tuesday Weld, Willie Nelson.
Sinopsis: Frank es un ladrón de joyas experto en el negocio de diamantes. Después de haber pasado algunos años en prisión tiene claro que desea una vida que incluya un hogar agradable, una esposa y niños. Tan pronto como consiga ensamblar las piezas de este rompecabezas, está dispuesto a retirarse de su profesión y convertirse en un ciudadano modelo.

LUNES 13

6:30pm Cazador de Hombres
(Manhunter) Dir. Michael Mann. Estados Unidos (1986) 122min. Reparto: William Petersen, Joan Allen, Brian Cox.
Sinopsis: Basada en la novela "Dragón Rojo", de Thomas Harris, fue la primera adaptación al cine en la que aparece el personaje de Hannibal Lecter, popularizado mundialmente por Anthony Hopkins. Obtuvo muy buenas críticas, algunas incluso considerándola mejor que la multipremiada El Silencio de los Inocentes.

Cobertura Lo Mejor de Godard! N°20: Día 1

Reseña: Jonathan Demme

Melómano por excelencia, Jonathan Demme se ha forjado y alcanzado la madurez expresiva en los rockumentales. Este director norteamericano, nacido en New York en 1944, tiene en su haber numerosas películas con esencia netamente ‘rockera’; desde Stop Making sense, apertura de una serie de documentales con un trasfondo musical, Demme se ha codeado con íconos de la música como los Talking heads, New Order, Robyn Hitchcock y el padrino del grunge, Neil Young, quienes han visto en el director una creatividad afín, capaz de plasmar con recursos audiovisuales la honestidad de sus presentaciones y canciones. No obstante, la filmografía del neoyorkino no se limita a la música, variando desde la comedia con Melvin and Howard, hasta el suspenso con la galardonada El Silencio de los Inocentes y el drama con Filadelfia.

Durante este ciclo especial de godard! podrán apreciar dos de sus películas del género rockumental, comentadas en nuestra sección Rockola: Stop Making Sense, que recoge una serie de conciertos de la banda Talking Heads en 1983, y el aclamado Neil Young: Heart of Gold. Dos obras imprescindibles. (José Miguel Paiva)

SÁBADO 4

7pm Stop Making Sense Dir. Jonathan Demme. Estados Unidos. (1984) 88’.Sinopsis: Aclamadísimo documental sobre la banda de rock Talking Heads, rodado en 3 noches y con 7 cámaras.

SÁBADO 11

8pm Neil Young: Heart of Gold Dir. Jonathan Demme. Estados Unidos. (2006) 103’.Sinopsis: Retrato musical íntimo del legendario cantautor Neil Young, filmado con ocasión de la presentación mundial en concierto del disco Prairie Wind en el célebre Ryman Auditorium de Nashville. La música brinda una perspectiva rica y emotiva de la relación de Young con la familia y los amigos, con la mortalidad y con el paso del tiempo.

Aquí un adelanto:

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Crónica

Desde la avenida más cercana al Centro Cultural de España ya se podía apreciar a un numeroso grupo de gente en fila india esperando por la película que abriría el ciclo Lo Mejor de Godard! 20: Metrópolis de Fritz Lang.

Algunas personas, para pasar el rato, hablaban entre sí; otros miraban el reloj y pocos curiosos preguntaban para qué era la cola. Una cálida muestra fotográfica servía de preámbulo para los asistentes. Hasta que marcaron las seis, hora de la función que los transportaría a una dimensión futurista.

Mientras nos acomodábamos, las luces fueron aminorando hasta que el auditorio quedó en profunda oscuridad, y un halo de luz en la pantalla nos indicaba que la película estaba por comenzar. Fueron dos horas de completo suspenso e intriga. Con cada paso que daba el personaje la audiencia parecía dejar de respirar.

Para la segunda función, los seguidores del terror se hicieron presentes para una de las películas de la serie Historias para no dormir: Para entrar a vivir, de Jaume Balagueró, una historia de horror que puso los pelos de punta a muchos en la audiencia, mientras se nos salpicaba con imágenes espeluznantes y gritos ensordecedores típicos del estilo del director.

La noche acabó con el rockumental de Jonathan Demme, Stop Making Sense, que sigue a los legendarios Talking Heads. Los fanáticos de la banda se manifestaban y coreaban algunas de las canciones. Una licencia permitida teniendo en cuenta el clima de la sala.

Un día de notable asistencia y buena vibra para abrir el ciclo. Mañana continuarán las funciones y seguramente el público nos dará más que una sorpresa. No se pierdan esta gran oportunidad. (Carolina Moreno)

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Crítica: Stop Making Sense

Cuando me enteré que el director de las aclamadas Filadelfia y El Silencio de los Inocentes, Jonathan Demme, había dirigido el documental Stop Making Sense, me dije que tenía que verla. Exhibiendo su melomanía, Demme rodó este documental basado en el grupo norteamericano Talking Heads, una de las bandas más representativas del rock new wave.

Filmado en el teatro Pantages de Hollywood, Stop Making Sense recoge una serie de conciertos realizados en diciembre de 1983. Bastaron tres noches y siete cámaras para convertirlo en uno de los directores de cine musical más interesantes de todos los tiempos. Claro está que el resultado final no es solo mérito suyo. La genialidad de David Byrne (voz principal y guitarra) para trasmitir el estilo y elegancia de la banda se va sintiendo al transcurrir las canciones.

Desde el inicio del filme se hace notoria la innovación que Demme tiene preparada: la cámara siguiendo los pies de Byrne, quien guitarra en mano y radio cassette en el piso, ofrece una magistral ejecución de “Psycho Killer”. Al pasar las canciones los demás integrantes de la banda van apareciendo en el escenario hasta completarse para dar vida a la famosísima e impecable “Burning Down the House”. Si bien la canción en sí es estupenda, en el concierto toma otra dimensión. La percusión es realmente asombrosa, Tina Weymouth con el sintetizador también lo es, la batería es potente y Byrne luce con una vitalidad que parece inagotable; simplemente dan ganas de bailar, saltar, cantar, gritar a todo pulmón: ¡Burning down the house! Demme se encargo de transportarme a ese momento. Con su intencional desaparición del público y centrándose en la banda, uno se vuelve un miembro más del grupo.

Mención aparte es “Once in a Lifetime”, una de sus primeras canciones con el poder que tendrían los videos musicales durante los años 80. Sensacional de principio a fin y donde Byrne puede lucirse pues toda la canción gira en torno a él. Una gran cantidad de tomas largas y fijas ayudan también a un mayor enfoque en el grupo y a resaltar sus virtudes.

“Girlfriend is better” es otra canción destacable en el documental, los ondulantes movimientos de Byrne, el acompañamiento de una banda incansable y el efecto de las sombras de los músicos en el escenario –mérito de Demme– hacen que uno simplemente disfrute la canción y se pierda en esas sombras que cobran vida en el concierto. Tengo en mi mente grabada los juegos de luces, la gente divirtiéndose y a dos genios que hicieron de ese documental algo inolvidable. (Pamela Caballero)

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Filmografía: Joseph Losey

Nacido en Filadelfia, en 1909, y eclipsado por la muerte en 1984, se podría decir que Joseph Losey pasó la mitad de su vida haciendo cine. Con casi cuarenta largometrajes, se trata de un director prolífico, sin duda, artista de una arquitectura cinematográfica construida en la belleza incomprendida de aquellos aspectos que son como los suburbios y callejones de la vida.

Joseph Walton, Victor Hanbury y Andrea Forzano son tres directores que comulgan en uno solo. Seudónimos de Joseph Losey, con los que realizó algunas películas durante su exilio en Inglaterra, cuando se vio obligado a huir de la implacable y virulenta lengua del senador Mccarthy, durante la cacería de brujas en Hollywood a los sospechosos de ser simpatizantes del comunismo.

Joseph Losey se codeaba con los grandes. Colaborador de Bertolt Brecht en el teatro y del Nobel Harold Pinter, él mismo fue un grande del séptimo arte. Y no precisamente por su filiación a importantes estudios o movimientos cinematográficos sociales, sino por ser el reivindicador de las victimas del vaciamiento, de la angustia humana, y del inefable destino de perder, de la condena y, a veces, de la redención.

La filmografía de Joseph Losey, lo invita a gozar del sabroso sinsabor de la vida, del arte de lo crudo y la anomia existencial, tan íntima y real, como uno mismo. Un lugar para encontrarse, maldecirse y tal vez, volver a amarse, dentro de ilusiones muertas, pero sin dejarse avasallar. Este ciclo especial de godard! incluirá títulos como El Sirviente, El otro Señor Klein, la adaptación de la ópera de Mozart, Don Giovanni, y otros más, ejemplos claros de lo incomprensiblemente ridículo que puede ser el destino humano que, aunque matizado por conceptos de valor, no puede escapar de la desgracia que le reserva a los hombres. (Renzo Rodríguez)

DOMINGO 5

4pm El Sirviente
(The Servant) Dir. Joseph Losey. Inglaterra (1963) 112’. Reparto: Dirk Bogarde, Sarah Miles y James Fox.
Sinopsis: Una intrigante y maquinador mayordomo consigue, gradualmente, dominar la vida del señor al que sirve. Ambos pertenecen a distintas clases sociales, pero aprovechándose de sus debilidades sexuales, el sirviente será capaz de manejar a su amo a voluntad. Un tenso y adulto drama psicológico que obtuvo excelentes críticas.

6pm Don Giovanni
(Don Giovanni) Dir. Joseph Losey. Francia-Italia-Inglaterra-Alemania (1979) 180’. Reparto: Ruggero Raimondi, John Macurdy, Edda Moser.
Sinopsis: En la Sevilla del siglo XVII, Don Giovanni es un seductor sin escrúpulos que atrae sobre sí el odio y el deseo de venganza de poderosos enemigos, aunque él mismo no lo descubre hasta que, quizás, sea demasiado tarde. Adaptación cinematográfica de la ópera de Mozart.

LUNES 6

5pm Rey y Patria
(King and Country) Dir. Joseph Losey. Inglaterra (1964) 86’. Reparto: Dirk Bogarde, Tom Courtenay, Leo McKern.
Sinopsis: Aclamado drama antibélico, de argumento similar a Senderos de Gloria, que relata la historia de un soldado, acusado de deserción durante la batalla, cuyos oficiales superiores quieren dar ejemplo con su castigo.

DOMINGO 12

4pm El Mensajero
(The Go-Between) Dir. Joseph Losey. Inglaterra (1970) 118’. Reparto: Julie Christie, Alan Bates y Michael Redgrave.
Sinopsis: Inglaterra, principios del siglo XX. Los señores Maudsley, de la alta sociedad inglesa, han invitado a Leo, un compañero de clase de su hijo a pasar unos días de vacaciones con ellos. El recién llegado será utilizado por la hermana de su amigo para enviar cartas a su amante.

6pm El Otro Señor Klein
(Mr. Klein) Dir. Joseph Losey. Francia (1976) 120’. Reparto: Alain Delon, Jeanne Moreau y Michael Lonsdale.
Sinopsis: París, 1942. Robert Klein lleva una existencia feliz durante la ocupación nazi: tiene un hermoso apartamento, una amante y un negocio floreciente. Los problemas surgen para él cuando se entera que la policía le busca, porque se piensa que es judío, y Klein descubre que existe otro señor Klein de origen judío, que tiene un comportamiento bastante misterioso.

LUNES 13

5pm Estos Son Los Malditos
(The Damned) Dir. Joseph Losey. Inglaterra (1963) 90’. Reparto: Macdonald Carey, Viveca Lindfords y Oliver Reed.
Sinopsis: Apoyado por fuerzas militares, un científico mantiene ocultos, encerrados en unas instalaciones subterráneas, a un grupo de niños radioactivos. El experimento será accidentalmente descubierto por un turista americano y una muchacha a la que éste persigue.

MIÉRCOLES 15

4:30pm El Asesinato de Trotsky
(The Assassination of Trotsky) Dir. Joseph Losey. Italia-Inglaterra-Francia (1972) 100’. Reparto: Richard Burton, Alain Delon, Romy Schneider. Sinopsis: Ciudad de Méjico, 1940. Desfiles comunistas celebran el día de los trabajadores. En una habitación de un hotel cercano a la Plaza de Zócalo se encuentran dos personas destinadas a jugar un papel muy importante en los acontecimientos.

Presentación: Laboratorio de Periodismo Cinematográfico

A partir de hoy y durante los días que dure el ciclo Lo Mejor de Godard! 20, este blog brindará información actualizada sobre las películas y los personajes que animan las jornadas. Los textos serán escritos por estudiantes universitarios, futuros comunicadores que empiezan a ver el cine con mirada crítica y reflexiva. Entre críticas, crónicas y perfiles, nuestros invitados intentarán cumplir las exigencias de una cobertura periodística especializada. Lo invitamos a seguir primer este laboratorio que prometemos no será el último.